No universo da música, o termo "selo musical" é frequentemente mencionado, mas muitas vezes não compreendido em sua totalidade. Se você é um artista emergente ou um entusiasta da música, entender o que é um selo musical e como ele funciona pode ser crucial para sua carreira ou para apreciar o funcionamento da indústria musical.
Um selo musical, também conhecido como gravadora independente ou label, é uma empresa ou marca que lida com a produção, distribuição e promoção de gravações musicais. Ele pode ser tão pequeno quanto uma operação independente conduzida por uma única pessoa, ou tão grande quanto uma parte de uma grande gravadora. A principal função de um selo musical é investir no talento artístico, auxiliando na criação, gravação, e divulgação da música.
Existem dois tipos principais de selos musicais:
Operam de forma autônoma e geralmente têm um controle mais direto e pessoal sobre seus artistas. Muitos artistas preferem trabalhar com selos independentes devido à liberdade criativa que esses oferecem.
São corporações que têm uma vasta rede de distribuição e recursos financeiros, como Sony Music, Universal Music Group e Warner Music Group. Eles têm a capacidade de alcançar grandes audiências, mas costumam oferecer menos liberdade criativa.
O funcionamento de um selo musical envolve diversas etapas e processos que são essenciais para o sucesso de um artista. Algumas das principais funções incluem:
Esta é a equipe responsável por descobrir novos talentos e trabalhar com os artistas no desenvolvimento de seu som e imagem. Eles atuam como intermediários entre o artista e a gravadora, ajudando a moldar a carreira do músico.
O selo investe na produção de músicas, o que pode incluir gravação, mixagem, masterização e tudo o que é necessário para transformar uma ideia em um produto acabado.
Uma das funções mais importantes de um selo é garantir que a música chegue ao público. Isso pode incluir a distribuição física (CDs, vinis) e digital (streaming, downloads).
Os selos também são responsáveis por criar estratégias de marketing para promover as músicas e os artistas. Isso pode envolver desde campanhas em redes sociais até turnês e eventos ao vivo.
Selos também cuidam dos direitos autorais e licenciamentos, garantindo que a música seja usada legalmente em filmes, comerciais, programas de TV, etc.
Muitas vezes, o selo musical investe financeiramente na carreira do artista, cobrindo custos de gravação, videoclipes, e outros materiais promocionais. Em troca, o selo pode receber uma porcentagem das receitas geradas pelas vendas e direitos de execução.
Se você é um artista em busca de um selo musical, é importante considerar suas necessidades e objetivos. Um selo independente pode oferecer mais liberdade criativa, enquanto uma grande gravadora pode proporcionar maior exposição e recursos. Pesquise as opções, converse com outros artistas e, se possível, consulte um advogado especializado em direito autoral para entender melhor os termos do contrato.
Um selo musical desempenha um papel fundamental na carreira de um artista, oferecendo suporte em áreas que vão além da música, como marketing, distribuição e finanças. Seja qual for o seu estilo ou objetivo, encontrar o selo certo pode ser um passo decisivo para alcançar o sucesso no mundo da música.
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O ISRC, ou International Standard Recording Code, é um identificador único para gravações de áudio e videoclipes. Ele funciona como uma impressão digital para cada faixa, permitindo que músicas e vídeos sejam rastreados e gerenciados em todo o mundo. Se você é um artista, produtor ou engenheiro de som, entender como funciona e como configurá-lo corretamente é essencial para proteger seus direitos e garantir que você seja devidamente creditado e pago por seu trabalho.
É composto por 12 caracteres alfanuméricos que identificam uma gravação específica. Ele é dividido em quatro partes:
Por exemplo, um ISRC poderia ser algo como BR-ABC-23-00001, onde:
BR indica que o código foi emitido no Brasil.ABC é o código do registrante.23 é o ano de 2023.00001 é o número único da gravação.O ISRC é fundamental para a gestão de direitos autorais. Quando uma música é reproduzida em plataformas de streaming, rádios, ou usada em mídias como filmes e comerciais, permite que os titulares dos direitos sejam identificados e pagos. Sem um ISRC, seria difícil rastrear o uso das gravações e garantir que os royalties sejam distribuídos corretamente.
Além disso, o ISRC é amplamente utilizado por agregadores digitais e plataformas de distribuição para organizar e catalogar músicas e videoclipes. Sem ele, sua música pode não ser incluída em algumas dessas plataformas.
Para obter um ISRC, você pode seguir um destes caminhos:
Depois de obter o código ISRC, é necessário configurá-lo corretamente nos metadados de sua gravação. Pode ser feito de várias maneiras.
Com o ISRC configurado, sua música está pronta para ser distribuída e rastreada globalmente. Aqui estão alguns cenários onde desempenha um papel crucial:
O ISRC é uma ferramenta indispensável para qualquer músico ou produtor que deseja proteger seus direitos autorais e garantir que sua música seja devidamente rastreada e monetizada. Configurar o ISRC corretamente é um passo importante no processo de distribuição e pode ter um impacto significativo no sucesso de sua carreira musical.
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Registrar uma música é um passo crucial para proteger seus direitos como compositor ou intérprete. Seja você um músico independente ou parte de uma banda, o registro garante que você seja reconhecido legalmente como o criador da obra e que tenha controle sobre sua distribuição e uso.
Neste artigo, vamos explorar detalhadamente o processo de produção, registro e venda de uma música.
Tudo começa com a criação. É nesse estágio que você compõe a melodia, escreve a letra e arranja os elementos que formarão a sua música. Essa etapa pode ser feita de várias maneiras: sozinho, em colaboração com outros músicos, ou até mesmo em um estúdio de gravação, como a Pneuma Produtora, que oferece um ambiente criativo e profissional para transformar suas ideias em realidade.
Depois que a música está composta, o próximo passo é gravá-la. A gravação pode ser feita em casa, se você tiver os equipamentos adequados, ou em um estúdio profissional. Gravar em um estúdio como a Pneuma Produtora garante que a qualidade do som seja a melhor possível, com a ajuda de engenheiros de som experientes e equipamentos de alta qualidade.
Durante a gravação, todos os elementos da música são capturados: vozes, instrumentos e efeitos. Essa etapa pode ser bastante complexa, envolvendo várias sessões para obter a melhor performance de cada parte.
Após a gravação, a música passa pelo processo de mixagem e masterização. Na mixagem, os diferentes elementos gravados são balanceados e ajustados para criar um som coeso e agradável. Na masterização, a faixa final é polida para garantir que soará bem em qualquer sistema de som, desde fones de ouvido até grandes sistemas de áudio.
Essa etapa é essencial para dar à sua música um som profissional e competitivo no mercado. A Pneuma Produtora oferece serviços de mixagem e masterização que podem transformar suas gravações brutas em faixas prontas para serem lançadas.
Uma vez que a música está finalizada, é hora de registrá-la. O registro é o processo pelo qual você formaliza a autoria da música e obtém os direitos legais sobre ela. Isso é fundamental para evitar que outra pessoa use ou distribua sua música sem sua permissão.
No Brasil, a música pode ser registrada na Biblioteca Nacional ou em associações de direitos autorais, como a UBC (União Brasileira de Compositores). Cada uma dessas entidades oferece um certificado de registro, que serve como prova legal de que você é o autor da obra.
Reúna todas as informações sobre a música, incluindo a letra, a partitura (se houver), e uma gravação da faixa.
Preencha o formulário de registro da entidade escolhida, fornecendo detalhes como título da música, autores, e intérpretes.
Pague a taxa de registro. O valor varia dependendo da entidade e do tipo de registro.
Envie os documentos e a gravação para a entidade responsável, seguindo as instruções específicas de cada uma.
Após o registro, você receberá um certificado que confirma sua autoria e direitos sobre a música. Esse documento é fundamental caso você precise provar legalmente que a música é sua.
Com a música registrada, você pode distribuí-la e vendê-la com segurança. Hoje em dia, a distribuição digital é a forma mais comum de colocar sua música no mercado. Plataformas como Spotify, Apple Music, Deezer, e YouTube Music permitem que você alcance um público global.
Para distribuir sua música nessas plataformas, você pode usar agregadores digitais como CD Baby, TuneCore, ou ONErpm. Esses serviços cuidam da parte burocrática e garantem que sua música esteja disponível em todas as principais plataformas de streaming.
Além da distribuição digital, você também pode vender sua música em formatos físicos, como CDs e vinis, ou em plataformas de download como o Bandcamp.
Por fim, você pode monetizar sua música através de direitos autorais, vendas diretas, e até mesmo licenciamentos para filmes, séries, e comerciais. Quando sua música é reproduzida em rádios, shows ou outros meios públicos, você tem direito a receber royalties, que são gerenciados por associações de direitos autorais.
Registrar sua música é um passo essencial para proteger sua arte e garantir que você seja recompensado por seu trabalho criativo. Desde a composição e gravação até o registro e distribuição, cada etapa exige atenção aos detalhes e um conhecimento básico dos processos envolvidos.
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A masterização é uma das etapas mais críticas e, ao mesmo tempo, menos compreendidas da produção musical. É o processo final pelo qual uma faixa ou álbum passa antes de ser lançado ao público, e seu objetivo é garantir que a música soe bem em qualquer sistema de som, desde fones de ouvido até grandes sistemas de áudio. Neste blog, vamos explorar detalhadamente o que é a masterização, como ela é realizada e por que ela é tão importante.
Masterização é o processo de finalização de uma gravação, onde a mixagem final é ajustada para que a música atinja o máximo potencial de qualidade sonora. Este processo envolve o uso de várias técnicas para equilibrar, equalizar, comprimir e ajustar o volume da música, garantindo que ela soe consistente e profissional em qualquer plataforma de reprodução. A masterização é o último passo antes da música ser distribuída, seja em formato digital, CD, vinil ou streaming.
O processo de masterização é meticuloso e exige uma combinação de habilidades técnicas e sensibilidade musical. Abaixo, detalhamos as principais etapas envolvidas na masterização de uma música.
Antes de iniciar a masterização, o engenheiro de som revisa a mixagem final para identificar quaisquer problemas que possam ter passado despercebidos. Essa etapa é crucial para garantir que a mixagem esteja em seu melhor estado possível antes de ser masterizada.
A equalização é usada para ajustar o balanço tonal da música. O engenheiro de som pode aumentar ou cortar certas frequências para melhorar a clareza e o impacto da faixa. Por exemplo, pode-se aumentar as frequências graves para dar mais peso ao som ou reduzir as frequências médias para eliminar qualquer som abafado.
A compressão é aplicada para controlar a dinâmica da música, garantindo que os elementos mais altos e mais baixos do som estejam bem balanceados. Isso ajuda a evitar picos de volume que possam distorcer ou causar desconforto ao ouvinte, enquanto mantém a energia e a emoção da faixa.
A limitação é uma forma mais agressiva de compressão usada para definir o volume máximo da faixa. Ela garante que o volume da música atinja um nível competitivo sem distorcer. Isso é especialmente importante no contexto de rádios e streaming, onde as músicas competem por atenção.
O engenheiro de som ajusta a imagem estéreo da faixa para garantir que os elementos sonoros estejam bem posicionados no campo estéreo. Isso pode incluir ampliar a sensação de espaço ou centralizar certos elementos para melhorar o impacto sonoro.
A música é ajustada para atingir o volume ideal, garantindo que ela seja suficientemente alta, mas sem comprometer a qualidade do som. Esse passo é essencial para que a faixa esteja no mesmo nível de outras músicas dentro de uma playlist ou álbum.
No caso de um álbum, o engenheiro de som organiza as faixas na ordem desejada e define os intervalos entre elas. Isso garante uma experiência de audição fluida e coesa, essencial para álbuns conceituais ou que contam uma história.
Finalmente, a faixa masterizada é preparada para distribuição. Isso pode incluir a criação de versões específicas para diferentes plataformas, como streaming, CD, vinil ou rádio. O engenheiro de som também pode criar arquivos de alta qualidade, como WAV, ou formatos comprimidos, como MP3, dependendo da necessidade.
A masterização é crucial porque é o que faz a diferença entre uma música que soa "boa" e uma que soa "profissional". É a etapa que garante que sua música tenha consistência e qualidade sonora em todos os tipos de reprodução, desde pequenos fones de ouvido até sistemas de som em estádios. Além disso, a masterização ajuda a criar uma coesão sonora entre as faixas de um álbum, oferecendo uma experiência auditiva mais agradável e impactante.
A masterização é um processo indispensável na produção musical, capaz de transformar uma boa mixagem em uma faixa pronta para o mundo. Para garantir que sua música atinja o máximo potencial, é fundamental contar com profissionais experientes e um ambiente acústico de alta qualidade.
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A edição na música é uma parte crucial da produção que envolve a manipulação de gravações para alcançar a versão final desejada de uma faixa. Esse processo pode transformar uma boa gravação em uma obra-prima polida, pronta para ser apreciada pelo público.
Neste blog, vamos explorar como é o processo de edição em uma música, como ela pode ser feita e quais são os passos envolvidos. Vamos também detalhar alguns aspectos importantes da edição musical e suas ferramentas.
Edição na música refere-se ao processo de ajustar, manipular e refinar gravações de áudio para melhorar sua qualidade e coesão. Isso pode incluir a correção de erros, alinhamento de tempos, ajuste de volumes, aplicação de efeitos e muito mais. A edição é essencial para garantir que cada elemento da música esteja em harmonia e que a gravação final seja profissional e agradável aos ouvidos.
O processo de edição musical pode variar dependendo do projeto e do estilo musical, mas geralmente envolve os seguintes passos:
O primeiro passo é importar todas as gravações brutas para a DAW (Digital Audio Workstation) escolhida. Isso inclui faixas vocais, instrumentos, e qualquer outro áudio relevante.
Organize as faixas de áudio de maneira lógica, agrupando instrumentos semelhantes e criando submixes para seções específicas (por exemplo, bateria, vocais, guitarras).
Ajuste o tempo das gravações para que todos os elementos estejam sincronizados. Isso é especialmente importante para baterias e instrumentos rítmicos.
Corrija qualquer desajuste de tempo entre diferentes faixas.
Remova erros, ruídos indesejados e partes não desejadas das gravações. Use crossfades para suavizar as transições entre os cortes.
Utilize ferramentas de correção de pitch, como o Auto-Tune ou Melodyne, para ajustar a afinação das faixas vocais e de instrumentos.
Ajuste os volumes das faixas individuais para criar um mix equilibrado. Certifique-se de que nenhuma faixa está se sobressaindo demais ou sendo abafada.
Ajuste as frequências das faixas para garantir clareza e definição. Isso pode ajudar a destacar certos instrumentos e reduzir conflitos de frequência.
Use compressores para controlar a dinâmica das faixas, suavizando picos de volume e adicionando consistência ao som.
Adicione efeitos de reverb e delay para criar espaço e profundidade na mixagem.
Utilize automação para controlar mudanças de volume, pan e efeitos ao longo da música, criando movimento e interesse.
Pro Tools, Logic Pro, Ableton Live, FL Studio. Cada DAW oferece uma variedade de ferramentas de edição e efeitos.
Auto-Tune, Melodyne.
FabFilter Pro-Q, Waves SSL G-Master Buss Compressor.
Valhalla Room, EchoBoy.
Focusrite Scarlett, Universal Audio Apollo.
Yamaha HS8, KRK Rokit.
Preste atenção aos pequenos detalhes que podem melhorar a qualidade geral da música.
Compare sua mixagem com músicas profissionais para garantir que você está no caminho certo.
Não tenha medo de experimentar com efeitos para adicionar uma assinatura única à sua música.
Use automação para adicionar dinâmica e interesse ao longo da faixa.
Mantenha seu projeto organizado com pastas bem nomeadas para cada tipo de áudio.
Faça backups regulares para evitar perda de dados.
A edição na música é um processo meticuloso e criativo que transforma gravações brutas em produções polidas e profissionais. Com as ferramentas certas e uma abordagem cuidadosa, é possível alcançar resultados impressionantes que realçam o melhor de cada performance.
A Pneuma Produtora é o lugar ideal, se você precisa de um estúdio de gravação de alta qualidade. Oferecemos serviços de ensaios, gravações, produções e mixagens, com equipamentos de ponta e profissionais experientes para garantir que sua música atinja o máximo potencial. Entre em contato conosco e agende uma visita ao nosso estúdio!
Esperamos que este guia ajude você a entender melhor o processo de edição musical e a melhorar suas produções. Boa sorte e continue fazendo música incrível!
Phantom Power: para que serve e como usar de maneira eficaz. Exploraremos sua função essencial na alimentação de microfones e equipamentos de áudio. Nesse artigo, você irá conferir como usar o Phantom Power e como ele pode ajudar na qualidade de áudio.
Na jornada pela excelência sonora, muitos termos e tecnologias se destacam como pilares fundamentais para músicos e engenheiros de som. Entre esses, o Phantom Power se destaca como uma ferramenta essencial nos estúdios de gravação modernos. Neste artigo, exploraremos o que é o Phantom Power, sua importância, como funciona e como ele pode transformar sua experiência musical.
O termo "Phantom Power" refere-se à alimentação elétrica fornecida a certos tipos de equipamentos de áudio através do mesmo cabo que transmite o sinal de áudio. Normalmente, é utilizado para alimentar microfones condensadores, embora também seja utilizado em alguns pré-amplificadores de microfone e outros dispositivos de áudio.
O Phantom Power é essencial para o funcionamento de microfones condensadores, que requerem uma tensão elétrica para polarizar o diafragma do microfone e capturar o sinal sonoro de forma adequada. Sem essa alimentação, esses microfones não funcionariam corretamente ou simplesmente não produziriam som algum.
Além de microfones condensadores, o Phantom Power também pode ser usado para alimentar pré-amplificadores de microfone que utilizam circuitos eletrônicos que requerem uma tensão adicional para funcionar de maneira eficiente.
O Phantom Power é geralmente fornecido através dos pinos 2 e 3 de um conector XLR padrão, enquanto o pino 1 é o terra. A tensão típica fornecida é de 48 volts, embora alguns equipamentos possam operar com tensões menores, como 24 volts. Essa tensão é transmitida de forma eficiente ao longo do cabo XLR sem afetar negativamente o sinal de áudio, garantindo uma captura limpa e precisa do som.
É importante mencionar que nem todos os equipamentos de áudio suportam Phantom Power, e usar essa função em dispositivos que não são projetados para isso pode danificá-los permanentemente. Portanto, sempre verifique a compatibilidade dos seus equipamentos antes de utilizar Phantom Power.
No ambiente de estúdio, o Phantom Power é crucial para a gravação de vocais e instrumentos com microfones condensadores de alta qualidade. Ele permite capturar detalhes sutis e nuances sonoras que seriam perdidos com outros tipos de microfone.
Ao contrário de métodos antigos que usavam fontes de alimentação separadas, o Phantom Power simplifica o processo de gravação, eliminando a necessidade de fontes de alimentação adicionais e cabos extras.
O uso do Phantom Power proporciona maior flexibilidade ao conectar e desconectar equipamentos de áudio sem interrupções no fornecimento de energia, o que é ideal para sessões de gravação fluidas e eficientes.
Se você está buscando capturar suas performances musicais com a mais alta qualidade e precisão, visite o Estúdio de Gravação Pneuma Produtora em Belo Horizonte. Com equipamentos de última geração e uma equipe apaixonada por música, oferecemos um ambiente acolhedor e profissional para transformar suas ideias musicais em realidade. Conheça mais sobre nossos serviços de gravação, mixagem e masterização. Visite nossa página de contato ou entre em contato pelo nosso Whatsapp para saber mais sobre como podemos ajudar você a alcançar seus objetivos musicais.
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Se está aqui é porque descobriu que você mesmo pode fazer as suas próprias produções, sem que precise ter ou alugar um studio, comprar equipamentos caríssimos ou depender de uma técnica sobre-humana e, o melhor de tudo, obtendo resultados de qualidade.
Contudo, se você caiu aqui de paraquedas, vou lhe situar um pouco melhor, afinal, o que seria uma produção in the box? O “in the box” ou “dentro da caixa” se refere ao seu computador, pois com essa maravilha da tecnologia fomos capazes de nos reinventar, fazer coisas que antes não eram possíveis ou facilitar processos já existentes. Esse é o caso da produção musical, pois antigamente, até os anos 90/2000, a forma que você tinha de produzir seu som com qualidade era alugando um studio de gravação e gastando uma fortuna, o que ainda era pouco caso você decidisse montar o seu próprio studio, pois se hoje o valor dos equipamentos que já não são necessários ainda custam o olho da cara, então imagine o valor deles antigamente.
Acontece que com o advento do computador e o desenvolvimento de DAWs (digital audio workstation), softwares que lhe possibilitam ter toda a logística de um studio de gravação na palma das suas mãos e no conforto do seu quarto, além da simulação digital de equipamentos analógicos, os famosos plug-ins, agora você pode ter todo um studio dentro do seu computador, da sua caixa e, por isso, “in the box”. Mas se você está aqui então é porque descobriu que essa maravilha é possível, porém ainda não possui todas as informações necessárias que te deem a confiança que precisa para começar a produzir você mesmo ou a sua banda.
Porém, não se engane, a produção in the box não vai substituir músicos de qualidade ou uma boa composição, essa forma de produzir o seu som apenas vai lhe oferecer as ferramentas que você precisava e não tinha e aquelas que você precisava e não sabia. Mas por onde começar? Sim, você não precisará comprar uma mesa de som SSL para começar as suas produções, mas também não é possível gravar o som da sua guitarra usando uma batata... Portanto, alguns equipamentos mínimos são necessários. Para saber do que você precisa é simples, basta acessar esse link e ler o nosso artigo sobre Como Montar o Seu Home Studio, onde você encontrará tudo que precisa para iniciar as duas produções.
Certo, então você já obteve os equipamentos inicias necessários, agora você precisa se familiarizar com eles, a começar, pela sua DAW. Independente de qual você tenha escolhido, toda DAW possui diversas funções que são fundamentais para a sua produtividade durante uma produção, como a possibilidade de usar áudios elásticos, ou o simples cortar e juntar de faixas, o uso de cross fades e por ai vai (dizem que uma DAW possui tantas funções que algumas delas são desconhecidas até mesmo por seus desenvolvedores...).
Mas não desanime, todo primeiro contato com algo novo pode parecer assustador e desencorajador, porém, a persistência é a segredo do sucesso (acabei de inventar). Diversas são as formas que você pode encontrar para se familiarizar com a sua DAW, seja pela tentativa erro, o que eu não recomendo de cara pois pode ser muito doloroso, ou por meio de tutoriais, e essa é de fato a minha dica para vocês. No youtube ou no próprio site da desenvolvedora da sua DAW possuem diversos vídeos tutoriais que te ensinam desde as ferramentas mais simples às mais avançadas para que você domine por completo sua DAW. Então faça uma pipoca, se acomode e comece os estudos.
Conhecer bem a sua DAW pode fazer você mais do que duplicar não só a sua efetividade como, também, a qualidade de suas músicas. E se não acredita em mim, então tente produzir algo como um teste, poucas faixas e de curta duração, e depois de aprender mais sobre as ferramentas de sua DAW tente executar a mesma ideia. Depois disso pode vir correndo para os comentários desse artigo dizendo que estava certo. Obrigado, de nada.
Mais difícil do que escolher a sua DAW é escolher os seus plug-ins, isso principalmente por conta de um fato: quantidade. Existem, literalmente, milhares de plug-ins, e se você é leigo no assunto, é de se esperar que você se perca mesmo, isso é normal, porém, mais uma vez, não desista, estou aqui para te ajudar. O que então são os plug-ins? Podemos classifica-los em dois tipos, como eu gosto de fazer: aqueles que simulam equipamentos analógicos e aqueles que são exclusivamente digitais. Os primeiros plug-ins vieram com o objetivo de trazer o efeito de um processamento analógico realizado, por exemplo, por um compresso famoso, como o LA-2A, de forma totalmente digital, por meio da manipulação da informação do áudio, que no seu computador são zeros e uns, diferentemente o que ocorre em equipamentos analógicos, que trabalham com um sinal elétrico que se traduz em som.
Essa diferença de atuação obviamente produz resultados diferentes e, por isso, por mais que se esforcem, o som de um plug-in nunca será idêntico ao som de um equipamento analógico, afinal, nem mesmo os equipamentos analógicos possuem o mesmo som entre eles. Contudo, com o passar dos anos e a evolução da tecnologia, cada vez mais esses plug-ins simuladores se aperfeiçoam e soam indistinguíveis com os analógicos até mesmo para grandes produtores com ouvidos afinados. Porém, isso não é algo para o que você tenha de se atentar, o som entre um equipamento analógico e um plug-in são meramente diferentes, não melhor ou pior, cabe a você, músico ou produtor, saber qual a sonoridade que melhor encaixa no seu som.
Já os plug-ins exclusivamente digitais nasceram como uma resposta do mercado à popularidade que esses softwares obtiveram, pois só os plug-ins passaram a ser tão populares que não mais se precisou copiar uma sonoridade que já havia para que pudesse vender bem. Timbres e processamentos únicos foram criados em plug-ins que não representavam nenhum outro hardware já produzido, e ainda assim possuíam uma sonoridade super agradável e, com o passar do tempo, requisitada. Isso foi só um pouco da história de criação dos plugins e para que servem, como creio que isso já ficou claro, agora vamos a pergunta de $1.000.000,00 de dólares: qual plug-in devo escolher?
Ora, como os plug-ins inicialmente seguiram como cópias de equipamentos analógicos já a muitos anos usados na indústria da música, basta que você compreenda quais são esses equipamentos, para que servem, como os utilizar que, por consequência, você saberá quais plug-ins adquirir. Eu sei que não é tão simples assim, eu já estive no seu lugar, e a solução é uma só: estude. Novamente, existem diversos vídeos, artigos, blogs, conteúdos em geral que lhe ensinaram sobre esses equipamentos, mas, para que você não tenha de partir do nada, vou lhe indicar por onde começar. Estude sobre equalizadores e compressores. Acontece que quanto mais você conhece sobre um assunto, mais você percebe mais há para se conhecer dele, pois uma porta sempre te levará a outra. Assim, estudando sobre esses equipamentos básicos e clássicos, tenho certeza que você se deparará como nomes como “deesser”, “gate”, “side-chain”, “compressão paralela”, e a minha dica aqui é: pesquise. Pesquise como se não houvesse amanhã, entenda basicamente o que são cada um desses novos nomes que lhe aparecem, para que em uma leitura mais completa, numa discussão mais profunda, você não se sinta tão perdido. É como montar um quebra-cabeças, você monta pedaços e pedaços, que as vezes sozinhos podem ou não fazerem muito sentido, mas quando todos os pedaços se juntam, o panorama geral da coisa toda se torna muito mais claro.
Ok, agora sei quais são plug-ins de que preciso, como os conseguir? Não se engane, não é porque não dependem de uma linha de produção, materiais para a sua construção, que plug-ins são gratuitos, afinal, alguém os desenvolveu e merece receber por isso (assim como você gostaria de receber cada vez que alguém ouve as suas músicas). Portanto, as vezes plug-ins ou um pacote desses pode ser bem caro até, porém, sempre vemos empresas oferecendo descontos e as vezes até disponibilizando alguns gratuitamente. Minha dica sobre isso é ficar de olho no site www.pluginboutique.com, pois lá você terá acesso a esse tipo de informação de forma mais atualizada possível.
Tenho outra boa notícia para você, a DAW que você baixou é tão completa que ela também vem com um pacote de plug-ins. Esses são os chamados plug-ins nativos, e acredite se quiser, apenas com eles você já pode realizar toda uma produção profissional. Então não perca tempo, você não precisa esperar aquele limiter da fabfilter entrar na promoção para o conseguir e começar suas produções, você pode fazer isso agora mesmo usando apenas dos plug-ins que veem com a sua DAW.
Não importa se você está na frente de uma mesa de som no Midas, no Mosh Studio, no Sonastério, ou se está na frente do seu monitor, no seu quarto, ao lado da sua cama, algo sempre será imprescindível para uma boa produção: técnica. Feliz ou infelizmente, não existe plug-in, equipamento analógico, DAW ou instrumento que te faça um melhor profissional, isso advém com o tempo, estudo, rotina e perseverança. Desenvolver habilidades de produção musical não é algo fácil, mas também não é impossível.
Mais uma vez eu vou lhe dar a dica fundamental não só para essa, mas para todas as áreas da sua vida: estude. A internet trouxe consigo uma quantidade de informação nunca antes imaginada, e você pode encontrar literalmente de tudo por aqui. Por isso, minha dica para você é que tenha sabedoria ao iniciar uma pesquisa na internet, pois você pode facilmente se perder ou consumir informação falsa. Não caberá nesse artigo discorrer sobre técnicas de produção, isso fica para outro artigo, mas saiba que está é a ferramenta mais importante que você pode ter e que vai determinar se sua produção será realmente boa ou não. Pois se você possui técnica não importa se sua produção é in the box ou não, ela será boa. A produção in the box vem para te ajudar com a democratização de ferramentas que antes possuíam um acesso muito limitado. Por isso lembre-se, o que faz uma boa mesa não é um bom martelo, mas um bom carpinteiro.
Se não agora, com o passar do tempo será natural que você desenvolva um certo “fetiche” por equipamentos analógicos. Mas não se assuste, isso é completamente normal para nós, entusiastas do áudio. E não será problema algum se você decidir adquirir um compressor ou um equalizador, futuramente, pois é completamente plausível que você possa fazer uma produção híbrida, ou seja, com a utilização tanto de recursos digitais como analógicos. Minha única dica nesse caso é simples, não compre um equipamento analógico simplesmente por ter. Estude-o antes, saiba qual é a sua sonoridade e qual é a sonoridade que você deseja ouvir, e caso elas casem, vá as compras. A, mais uma dica: não compre equipamento analógico com um mínimo defeito que seja, pois são extremamente caros e difíceis de se arrumar, na maioria das vezes. Então, se for o caso, compre um equipamento analógico usado, com algum defeito, já esperando que gastará o mesmo valor que pagou nele para o arrumar, use isso ao seu favor para negociar.
A respeito da Pneuma Produtora, hoje utilizamos uma produção híbrida, contudo, mais voltada para o in the box, pois assim minimizamos nossos gastos, o que nos possibilita oferecer serviços mais acessíveis para você. Pois bem, chegamos ao final de mais um artigo, e se lhe restou ainda alguma dúvida, entre em contato conosco, que podemos discutir suas questões como uma possível produção da forma que melhor te atenda.
Então é isso, até a próxima, e tchau!
Olá ! Seja bem vindo a mais um artigo da Pneuma Produtora o maior portal de noticias e dicas sobre a área musical. No artigo de hoje conheça tudo sobre estúdio de ensaio em BH
Belo horizonte é uma cidade maravilhosa, só quem mora aqui conhece todas as belezas que está linda capital nos proporciona, é uma cidade que conta com diversos pontos turísticos que trazem muita história e bons momentos para quem mora aqui e para que visita esta cidade. A música não pode faltar nesta linda capital das artes, sempre estamos em contato com a música quando vivemos aqui, seja em orquestras, apresentações artísticas entre outros.
A cidade de Belo Horizonte é formada por diversos estilos musicais diferentes que acabam surgindo ao longo do tempo e ganhando mais força. Bandas iniciantes surgem a todo momento e estas pessoas novas bandas e grupos ficam geralmente muito confusos pois hoje em dia com todas as redes sociais um artista novo não sabe como trabalhar o que fazer primeiro e acabam errando em diversas etapas que são muito importantes, mas isto é assunto para outro dia. Uma banda nova depois de ter decidido o que irá fazer mesmo terá que entrar para um estúdio e começar a ensaiar suas novas músicas ou treinar as músicas que irão tirar.
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Um dos principais momentos na carreira de um músico ou uma banda é a gravação de seu primeiro cd ou álbum. Mas para se obter um álbum de qualidade, não basta apenas ter boas músicas. O processo de criação de um álbum é bem mais complexo e são vários os fatores que devem ser levados em consideração, desde a composição da música até o final das gravações. Por isso, para que seu projeto transcorra sem problemas e que o produto final seja de ótima qualidade, fizemos uma lista com as principais dicas que devem-se ser levadas em conta para a gravação de um álbum. como montar um cd ?
como gravar um cd
Conceito: Você pode gravar um álbum com varias músicas diferentes, mudando até estilos de uma canção pra outra, mas não deixe de elaborar um conceito para o seu projeto. Um conceito é extremamente importante para que se tenha um álbum mais coeso e sólido. Um exemplo são os álbuns conceituais, em que todas as músicas juntas se conectam e tratam de um mesmo tema ou contam uma história.
Com certeza você já deve ter algumas músicas prontas ou não finalizadas. Não as descarte de cara. Análise todas, pois no meio delas podem estar às músicas perfeitas para o projeto de seu álbum.
Outro ponto é sempre produzir mais músicas do que efetivamente entrarão no álbum. Com isso você tem muitas opções e um leque maior de possibilidades.
Treinar e tocar constantemente são extremamente necessários para que as músicas tomem melhor forma e saiam com maior fluidez. Além de que, mudanças e retoques vão acontecer naturalmente nesse processo. Pratique, experimente e filtre o que você acredita que tornará sua música melhor.
Ao escolher as músicas que irão entrar em seu álbum, pensem nelas como um conjunto. Concentre em escolher aquelas que se adequem melhor ao “conjunto da obra”, retirando aquelas que ficaram destoantes da proposta de seu álbum.
Tocar suas musicas para seu público é a oportunidade perfeita de perceber a reação das pessoas ao ouvirem sua composição. Esse feedback é sua oportunidade de “testar”, aperfeiçoar e escolher as canções que irão compor seu álbum.
Escolhidas e ajustadas às músicas que irão fazer parte do seu álbum, agora é o momento de ensaiar constantemente essas músicas. Alguns estúdios cobram por hora, por isso é importante treinar até que suas músicas sejam executadas de forma fluída com o mínimo de erros.
como gravar um cd
É importante ter um foco e expectativas para a produção de seu projeto, mas vá com calma. Não coloque metas ou objetivos sem sentido. A gravação de apenas uma canção dura em média de uma a duas horas, claro, podendo variar de acordo com uma série de fatores. Crie uma rotina de dias para gravação, se atenha a ela e mantenha seu foco.
Saiba antes de chamar um técnico ou engenheiro de som, todos os instrumentos que o estúdio oferece para gravações. Um equipamento de qualidade é imprescindível para uma música de boa qualidade. Caso o orçamento para a produção seja baixo, use o estúdio apenas para a gravação da bateria, já que é o instrumento mais difícil de gravar. Os demais podem ser gravados de em um estúdio caseiro, com os softwares apropriados.
Sim, de fato é de extrema importância que as músicas sejam escutadas com ouvidos críticos, porém tente ser o mais objetivo possível, já que pequenos detalhes podem ser resolvidos com uma boa edição. É comum que músicos fiquem “obcecados” e tentem resolver esses detalhes no próprio estúdio, o que torna o processo de construção do álbum mais longo e desgastante para todos os envolvidos.
Músicas devidamente gravadas, vamos para a parte mais “estética” de produção do álbum. A ordem das músicas é um fator de extrema relevância para a construção do álbum e graças à mudança das plataformas onde se ouvem músicas, é muito importante que a primeira faixa seja o foco, o destaque, aquela que possui mais ênfase. Hoje, o mercado está voltado para as plataformas de streaming e existe muito conteúdo sendo disposto ao público. Dando ênfase a primeira música do álbum, ou seja, geralmente a primeira a ser ouvida, o objetivo é “fisgar” a atenção do ouvinte ao ponto de que ele continue ouvindo as demais músicas do álbum. Importante ressaltar que ela é crucia, pois ela que que deverá representar a essência e o tom de sua obra.
Nessa altura do projeto, você provavelmente já possui um nome em mente. Mas espere finalizar totalmente o álbum para ter um nome definitivo. Analise a letra das músicas, levando em consideração a ideia e o conceito daquela obra, escolhendo assim um título que represente e transmita a ideia, do conjunto da obra.
E agora, para finalizar com “chave de ouro” seu álbum, a capa. Pode-se dizer que a capa e o nome são a primeiras impressões de sua obra. Por isso crie não uma capa, mas sim A CAPA. Novamente, como dissemos para a escolha do nome, analise as letras, conceito e ideias transmitidas para a definição da capa do álbum. Imagens, cores, fonte e logo deverão ser apostas de forma a representarem uma extensão da parte musical do álbum, sendo assim a “cereja do bolo” do conjunto de sua obra.
Gostou desse artigo, mas ainda tem duvidas de como gravar seu álbum? Entre em contato conosco hoje ainda que podemos te indicar os melhores estúdios de gravação em Belo Horizonte e região. Não perca tempo e entre em contato agora mesmo e faça já um orçamento sem compromisso pela nossa página de contato ou pelo nosso whatsapp.
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Você que é fã de games e também de música? Este artigo é para você, aprenda aqui hoje como criar trilha sonora para Games.
Aprenda agora neste incrível artigo como criar uma trilha sonora música ou até uma trilha sonora para seus jogos. Veja todos os elementos que fazem parte deste processo e como transformar seu sonho em realidade.
Se você é uma pessoa que gosta muito de jogos, e os elementos musicais dele, já pensou em criar músicas como os grandes clássicos videogames antigos.
Sem dúvida alguma é um grande orgulho ser o criador de trilhas famosas que milhares de pessoas irão jogar e escutar suas músicas.
A trilha sonora nos jogos é muito importante pois ela dá imersão de quem esta jogando. Em jogos de cassino nós vemos sempre lindas trilhas sonoras.
Muitas pessoas vivem o sonho de criar músicas para videogames mas as vezes as pessoas acabam desistindo e indo embora pois acham que é coisa de outro mundo. Nós iremos te explicar agora como é fácil e simples criar suas trilhas. Vamos lá?
É hora de você criar sua primeira música para um jogo de videogames. Se você já é músico ou pelo menos entenda um pouco já ira ajudar bastante para ter noções dos elementos musicais, assim tudo irá funcionar mais facilmente.
É bom que você já tenha noções do sentido de harmonia, ritmo e as formações de acordes. Se você é novo e não sabe nada disso é bom dar uma estudada antes, pois pode ficar complicado.
Primeiramente você precisará de um software de edição musical uma DAW. Existem diversas opções no mercado para baixar de graça para você testar e ver se lhe atende. Os mais populares são: Reaper,Pro tools, Cubase, Sibelius...
Qual tipo de jogo você quer criar uma trilha sonora? Um God of war com trilhas épicas e complexas, ou um arcade como pacman com audio 8bits? Tenha um foco e vá naquela direção.
Coloque a mão na massa faça diversas experienciais, para dominar as mixagens e a masterização do seu software, saia fuçando e testando opções, aprenda acertar os volumes, timbres.
A sua trilha sonora tem que possuir um segmento ligado as mecânicas do jogo. Se possuir partes mais calmas, ação a música deve se adaptar e representar as sensações.
Existem milhares de efeitos disponíveis online, mas se você criar seus próprios será uma realização mais interessante. Sempre são simulados efeitos de destruição, luta, batida com materiais da nossa própria casa ou achamos na rua.
Sons mais naturais podem soar bem mais legais que efeitos digitais robotizados demais.
A criação de trilhas para jogos é algo bem tranquilo de se fazer mas pode ser complicado dependendo do trabalho, se você é fã de jogos e de música continue seu trabalho e não desista.
Se você leu esse artigo e não resolveu seu problema, eu posso te ajudar. Esta perdido em como começar a criar suas músicas, qual programa usar, como compor, quais instrumentos utilizar? Dúvidas como estas são sempre frequentes e podemos lhe ajudar com nosso curso de Criação de música para jogos. Se você ficou interessado, nos mande uma mensagem no Whatsapp ou entre em contato pela nossa página de contato.
